[1] Pierre Soulages dans son entretien avec Jean Pierrard in "Le Point" n°1585 du 31 mars 2003.

Oeuvres de Georges JOUVE

La maison de ventes aux enchères MILLON vend régulièrement des œuvres de Georges Jouve. Florian Douceron, clerc spécialiste du département département Arts Décoratifs du XXe siècle, vous décrypte des œuvre phare de l'artiste :

"Tout dans la nature se modèle sur la sphère, le cône et le cylindre, il faut apprendre à peindre sur ces figures simples, on pourra ensuite faire tout ce qu’on voudra."[1]

À l'aune de cette citation, notre lampe prend une dimension Cézanienne dans son asymétrie organique, composée de figures simples dont les courbes pleines semblent circonscrire le vide.

Sa forme nous évoque un cairn qu’un caprice anachronique du potier aura transformé en balise domestique pour lier le temps et l’espace sous la lumière qu’elle abritera. Un tumulus de terre habillé du noir intense et satiné caractéristique de l’ascèse esthétique de Georges Jouve dont le minimalisme évoque "l’étrange luxe du rien"[2].                          

Sous sa surface d’un noir de jais, la forme épurée et sculpturale modelée par l’artiste créé des reflets changeants au contact de la lumière. Cette lampe incarne alors toute la dimension alchimique de l’Art du Feu qui transforme en noir l’oxyde de plomb, qui fait du métal une non-couleur vibrante, "une couleur en soi, qui résume et consume toutes les autres"[3].

"Que la poterie dût répondre un usage il était bien d’accord, mais réduire l’intérêt des choses à une fonction immédiate lui aurait paru un peu bref. Bien sûr, il se préoccupait aussi de l’utilité, mais d’une utilité supérieure dont le terme serait la beauté. Jouve témoigne qu’un objet beau est utile dans la mesure où il est beau et qu’il devient alors nécessaire dans un certain mode de vie. Beau c‘est-à-dire doué de certaines proportions, d’une matière qui lui est propre et aussi de cette qualité mystérieuse à laquelle il tenait tant, la vie silencieuse qui continue d’animer les objets."[1]

Avec son corps cylindrique habillé du noir signature de Jouve, la soupière est à rapprocher des séries à l’esthétique minimaliste des vases "Boules" ou "Pomme" que le céramiste décline du milieu des années 50 aux années 60. A l’instar de ces vases, notre soupière présente non pas un goulot mais une prise étirée et décentrée, toute en rupture avec une perfection axiale qui serait tout sauf naturelle. En effet et ainsi que nous le rappelle Daniel Penac[2] : 

"La nature a horreur de la symétrie, elle ne commet jamais cette faute de goût".

Sans doute légèrement antérieures les coupes, délicatement asymétriques elles aussi, affirment plus encore ce désir de processus immédiat que trouvait Jouve dans la céramique. Une immédiateté créatrice limitée au seul façonnage des pièces cependant, la part restante relevant d’une ascèse proche du Zen à composer avec l’incertitude de l'action du feu. Il en ressort des pièces à la simplicité émouvante, dont les surfaces semblent laquées sous leurs reflets presque métalliques.

A contempler ces pièces, la somme de travail, de recherches et d’essais que concéda Jouve à sa pratique de la céramique nous échappe tant leur résultat a un caractère d’évidence. Il convient cependant de se souvenir avec Brancusi[3] que "la simplicité est la complexité résolue", et avec Isamu Noguchi qui comme Jouve fût défendu par la Galere Steph Simon que :

 "Les attraits de la céramique résident en partie dans ses contradictions. C’est à la fois difficile et facile, avec un élément indépendant de notre volonté. Comme la peinture à l’encre "Sumi", elle ne se prête pas aux ratures et à l’indécision."[4]